Paolo Angelosanto \u00e8 un artista con una produzione attiva da oltre trent’anni. Durante gli studi in Pittura e Decorazione all\u2019Accademia di Belle Arti di Roma, ha iniziato la sua pratica a partire da riproduzioni pittoriche di sculture classiche a cui apponeva scritte di testi poetici, per poi presentare nel 1998 la sua prima performance, Anna dai capelli rossi<\/em>, curata da Paola Magni. Sue mostre personali e performance sono state presentate alla Galleria PS122 di New York (ARTWURL project 3<\/em>, a cura di Carlos Motta), con Z\u014d Centro Culture Contemporanee a Catania, (Welcome<\/em>), all\u2019Ex convento Santa Maria di Gonzaga (Mani di fata<\/em>, a cura di Aldo Grazzi e Luca Massimo Barbero).<\/p>\n\n\n\n Il suo lavoro prevede prevalentemente interventi performativi, con un’attenzione particolare alla restituzione estetica; ma i suoi lavori spaziano tra e coinvolgono pittura, scultura, fotografia, disegno, ready-made<\/em> e installazioni, declinandosi a seconda dell’idea o impressione da cui origina l’opera. In molti dei suoi progetti, Angelosanto affronta temi di carattere politico con una forte connotazione personale e un’apparente leggerezza ironica, come avviene in altri artisti italiani della sua generazione. Un esempio sono i lavori che ha realizzato con alcune citazioni significative scritte su carta da parati dalla fantasia del broccato, cucita insieme dall\u2019artista, in un riferimento parodistico agli ambienti opulenti della nobilt\u00e0 e della borghesia. Il progetto nasce da una frase che l\u2019artista ha sentito in una cena con politici siciliani, \u201cla mafia non esiste\u201d. Da questa prende avvio una serie di lavori, sempre con frasi che contengono un\u2019ambiguit\u00e0 di fondo e che registrano gli attriti politici della contemporaneit\u00e0, come \u201cchi ha ucciso Pasolini\u201d o “affinch\u00e9 tutto rimanga com\u2019\u00e8, bisogna che tutto cambi”, celebre frase dal Gattopardo<\/em> di Tomasi da Lampedusa, ripresa qui in una critica alla condizione di stagnamento della classe borghese.<\/p>\n\n\n\n A contraddistinguere la sua pratica \u00e8 una curata semplicit\u00e0 scenica, che riesce sia a rimarcare l\u2019intento ironico e autoironico della sua poetica sia a contribuire all\u2019efficacia espressiva. Come gi\u00e0 detto, la maggior parte dei suoi lavori affronta temi di rilevanza sociale, tra i quali l\u2019emergenza ecologica, le questioni di genere, l\u2019immigrazione, e pi\u00f9 in generale la marginalizzazione sociale. Per la mostra I fiori del mare <\/em>(2015), l\u2019artista ha realizzato pitture di eleganti elementi floreali, riproduzioni degli esemplari della Nascita di Venere<\/em>, per realizzare un ambiente che evocasse una sensazione di rilassatezza; gli stessi fiori che decoravano le pareti della Galleria Miralli percorrevano anche la superficie di una camera d’aria, simulando un ambiente balneare, con una piacevolezza estetica dietro cui si celava un inquietante riferimento, disturbante nella sua pacatezza, all’orrore delle morti in mare dei migranti. Altri lavori, invece, sono stati dedicati al tema dell\u2019amore, come \u201cM\u2019ama non m\u2019ama\u201d (2005), in cui una serie di amici dell\u2019artista esegue il rito dell\u2019esfoliazione dei petali delle margherite, culturalmente diffuso in tutto il mondo, in una molteplicit\u00e0 di formule di diverse lingue; Je me souviens<\/em> (2010), in cui si lega una pesante scultura in cemento alla caviglia, dalla forma di un cuore, e con la quale si aggira per la citt\u00e0 del Quebec; o ancora Per amore, solo per amore<\/em> (2012), in cui in un atto performativo l\u2019artista disegna con movimenti circolari del braccio un cuore formato da cerchi concentrici; uno di questi lavori, racchiuso in una cornice di 100 kg, \u00e8 oggetto di una successiva performance, dal titolo Sorreggere l\u2019amore<\/em>, in cui l\u2019artista ha sostenuto la pesante cornice con il proprio corpo per tutta la durata dell\u2019inaugurazione.<\/p>\n\n\n\n Le numerose esperienze di residenza (che hanno avuto luogo in Italia, Spagna, Canada, Finlandia) sono state fondamentali per l’evoluzione del percorso artistico di Angelosanto. Quella che ricorda come pi\u00f9 importante \u00e8 stata quella alla Fondazione Bevilacqua La Masa nel 1999, la prima residenza della Fondazione, in cui ha realizzato una performance con costumi realizzati da lui, Venezia Souvenir<\/em> (2001). In quegli anni aveva luogo un dibattito acceso a Venezia, sull’eventualit\u00e0 di estendere alle donne la possibilit\u00e0 di acquisire il brevetto da gondoliere, diritto che le donne hanno ottenuto solo da qualche anno. Per la performance, l’artista si \u00e8 “vestito” da gondoliere, disegnandosi sull’addome nudo con un rossetto rosso la tradizionale maglietta a righe, per mettersi poi a cucinare della pasta. L’operazione, seppur connotata da una leggerezza umoristica, verteva sia a polemizzare la posizione patriarcale del provvedimento citato, sia l’immaginario del turista straniero nei confronti del cittadino veneto. Come si evince da questi esempi, spesso l’obiettivo dell’artista diventa quello di combattere degli stereotipi o pregiudizi sociali attraverso la propria nudit\u00e0, il proprio vissuto personale, contrastando una visione sociale generalizzante e miope con spaccati di vita direttamente in contraddizione.<\/p>\n\n\n\n Attualmente l’artista sta lavorando a due diverse performance, legate rispettivamente al ricordo di sua madre e di suo padre. Tagliare il paesaggio,<\/em> la sua serie pi\u00f9 recente, \u00e8 dedicata invece al recupero di arazzi industriali risalenti dalla fine dell\u2019Ottocento a met\u00e0 Novecento, abbandonati o considerati di scarso valore, che hanno come soggetto paesaggi bucolici. Con l\u2019uso di un nastro l\u2019artista recide il paesaggio, inquadrandone una singola parte per concentrare l\u2019attenzione su di essa; vorrebbe iniziare un lavoro simile anche a livello fotografico, con paesaggi fotografati delle piazze pi\u00f9 importanti d\u2019Italia, e sostituire i riquadri \u201ctagliati\u201d attraverso il nastro con quelli tratti da immagini di altre piazze.<\/p>\n\n\n\n All’apparenza, la semplicit\u00e0 narrativa con cui l’artista approccia temi sociali variegati e complessi potrebbe rischiare di essere considerata dallo spettatore come una modalit\u00e0 superficiale, inadatta ad esprimere i lati tragici e gli aspetti intersezionali di determinati argomenti.<\/p>\n\n\n\n Ma \u00e8 invece proprio questa semplicit\u00e0 scenica il mezzo attraverso il quale l\u2019artista ottiene la forza estetica ed emotiva della sua opera, connaturando a temi critici elementi del quotidiano, riuscendo a contrastare l’ineccepibilit\u00e0 di questioni di portata globale con una visione localizzata, unica e personale.<\/p>\n\n\n\n <\/p>\n\n\n\n
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